Gaston Hélie
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O pintor autodidáctico Gaston Hélie frequentou aulas de desenho e escultura na Escola de Belas Artes da sua cidade natal de Caen. Entusiasta da pintura desde os 17 anos de idade, e reforçado pela sua longa experiência de exposição em exposições regionais e nacionais (incluindo o Salon des artistes français e o Salon National des Beaux Arts em Paris), este artista ganhou ao longo do seu percurso criativo único numerosos prémios, que contribuíram para estabelecer a sua fama.
Ao longo da sua longa carreira artística, Gaston Hélie foi sempre impulsionado por um desejo de renovação, levando-o a aumentar a liberdade tanto na interpretação das suas paisagens (um tema preferido na sua obra) como na sua técnica pictórica. As paisagens que ele apresenta não são pintadas no local, mas são directamente extraídas da sua memória. São visões poéticas reinventadas que exprimem reminiscências tingidas com as emoções do pintor. O seu estilo tornou-se cada vez mais acentuado e desordenado ao longo dos anos, transmitindo a espiritualidade do sujeito muito para além do seu simples aspecto formal. Na obra de Gaston Hélie, que está algures entre a figuração e a abstracção, as referências à natureza tornaram-se cada vez mais ténues, e o artista conduziu-nos pouco a pouco do material para o imaterial, do mundo natural para o mundo metafísico, do universo tangível para o universo espiritual.
Se a abordagem de Gaston Hélie não é repensar a arte, então a sua reflexão sobre o que ela deve expressar é profunda e extremamente interessante. Alimentado pelo pensamento filosófico de Aristóteles que, "a função da arte não é representar o visível, mas tornar visível", e pela ideia querida de Jean Bazaine de que, através do seu trabalho, os artistas expressam as profundezas da sua alma, o artista afirma: "Se eu comecei a pintar, era para me descobrir melhor". Menos atraído pela arte renascentista, que coloca ênfase na beleza formal idealizada, Gaston Hélie aprecia a arte gótica (particularmente a sua escultura), sublinhando o seu poder de expressão, e isto não é surpreendente quando nos lembramos até que ponto esta arte era representativa das crenças medievais num mundo tangível onde tudo era apenas um símbolo de um mundo espiritual invisível. No entanto, foram os grandes avanços pictóricos do século XX que forjaram as suas convicções artísticas: a revolução de Cézanne e o cubismo de Georges Braque em termos de tratamento formal, a arte de Wassily Kandinsky em termos da sua busca de espiritualidade, a obra íntima e poética de Roger Bissière que evoluiu para a não-figuração nos anos do pós-guerra, a pintura de Nicolas de Staël que era simultaneamente figurativa e abstracta, a Abstracção Lírica de Olivier Debré que "materializou" as emoções, e o Expressionismo Abstracto de Mark Rothko que expressava sentimentos. A admiração de Gaston Hélie por estes artistas apenas aumentou a sua determinação em desenvolver um estilo pessoal através de uma exploração constante, atenta tanto ao mundo exterior como à "necessidade interior da alma" defendida por Wassily Kandinsky.
A subjectividade do artista está consequentemente perfeitamente colocada para reproduzir a essência única das paisagens evanescentes. O jogo subtil de elementos pictóricos desenterra a parte enterrada de um mundo tangível que ele quer ajudar-nos a explorar. Gaston Hélie consegue distanciar-se perfeitamente da natureza graças a um meio pictórico que esculpe volumes justapondo formas entrelaçadas, desrespeitando leis de perspectiva. Ele adora desconstruir formas através do uso hábil da geometria. A energia das suas composições reside tanto no posicionamento e na força da linha como na disposição dos volumes de cor e na hábil distribuição dos efeitos de luz e sombra. Atento à harmonia das cores, a partir de 1985 o artista abandonou as misturas brilhantes dos seus primeiros anos a favor de uma paleta mais leve de cores vibrantes e monocromáticas, e substituiu gradualmente a faca pelo pincel para efeitos de fluxo mais subtis. Desde 2007, a sua estrepidez tornou-se absoluta e as suas paisagens metafóricas. Tal como Mark Rothko, cujas famosas paisagens icónicas são marcadas por linhas horizontais e pelo jogo de tiras de cor, Gaston Hélie transmite a sua visão do mundo tangível em soberbas composições onduladas, abraçando como uma pérola num estojo de jóias o próprio coração do sujeito que agita a alma do artista.
Esta visão renovada transpõe para a pintura a harmonia musical e poética que o pintor sempre procurou subconscientemente, mas que ainda assim alcançou numa data relativamente tardia. Nos anos 90, ele compreendeu que o que procurava era "uma espécie de musicalidade na pintura", e conseguiu analisar a forma como a música era composta a fim de transpor as suas regras para a sua arte pictórica. "A verticalidade é estabilidade". Apenas curvas, espirais e curvas invertidas sugerem movimento", explica. No entanto, mesmo que, para ele, a pintura "deva ser ouvida como uma sonata ou um quarteto ao qual se junta numa expressão artística para além das palavras e imagens comuns", o artista vai mais longe na sua abordagem e não se contenta em transpor o mero ritmo para as suas peças. Seguindo o exemplo de Friedrich Nietzsche, para quem a música expressou "o que é metafísico no mundo físico" e foi, portanto, considerado a forma de arte que melhor toca a alma humana, Gaston Hélie prova ser capaz de expressar o seu mundo espiritual interior na pintura e de o comunicar ao observador. Foi esta procura de empatia que, em última análise e inevitavelmente, se tornou central para ele, e encontra a sua melhor expressão na sua série Variation de 2014.
"Os pintores não fazem outra coisa senão pintar-se a si próprios", libertando as suas vibrações emocionais sobre a essência do mundo que transcendem. Gaston Hélie sucede a esta magistralmente numa espécie de paz interior redescoberta. No entanto, a sua busca não está de modo algum terminada, porque os pintores nunca sabem até onde podem ir. Força de linha e cor de tonalidade continuam a ser as palavras-chave para este artista extraordinário enquanto continua a criar pinturas espirituais e a "Fazer música na pintura".
Ao longo da sua longa carreira artística, Gaston Hélie foi sempre impulsionado por um desejo de renovação, levando-o a aumentar a liberdade tanto na interpretação das suas paisagens (um tema preferido na sua obra) como na sua técnica pictórica. As paisagens que ele apresenta não são pintadas no local, mas são directamente extraídas da sua memória. São visões poéticas reinventadas que exprimem reminiscências tingidas com as emoções do pintor. O seu estilo tornou-se cada vez mais acentuado e desordenado ao longo dos anos, transmitindo a espiritualidade do sujeito muito para além do seu simples aspecto formal. Na obra de Gaston Hélie, que está algures entre a figuração e a abstracção, as referências à natureza tornaram-se cada vez mais ténues, e o artista conduziu-nos pouco a pouco do material para o imaterial, do mundo natural para o mundo metafísico, do universo tangível para o universo espiritual.
Se a abordagem de Gaston Hélie não é repensar a arte, então a sua reflexão sobre o que ela deve expressar é profunda e extremamente interessante. Alimentado pelo pensamento filosófico de Aristóteles que, "a função da arte não é representar o visível, mas tornar visível", e pela ideia querida de Jean Bazaine de que, através do seu trabalho, os artistas expressam as profundezas da sua alma, o artista afirma: "Se eu comecei a pintar, era para me descobrir melhor". Menos atraído pela arte renascentista, que coloca ênfase na beleza formal idealizada, Gaston Hélie aprecia a arte gótica (particularmente a sua escultura), sublinhando o seu poder de expressão, e isto não é surpreendente quando nos lembramos até que ponto esta arte era representativa das crenças medievais num mundo tangível onde tudo era apenas um símbolo de um mundo espiritual invisível. No entanto, foram os grandes avanços pictóricos do século XX que forjaram as suas convicções artísticas: a revolução de Cézanne e o cubismo de Georges Braque em termos de tratamento formal, a arte de Wassily Kandinsky em termos da sua busca de espiritualidade, a obra íntima e poética de Roger Bissière que evoluiu para a não-figuração nos anos do pós-guerra, a pintura de Nicolas de Staël que era simultaneamente figurativa e abstracta, a Abstracção Lírica de Olivier Debré que "materializou" as emoções, e o Expressionismo Abstracto de Mark Rothko que expressava sentimentos. A admiração de Gaston Hélie por estes artistas apenas aumentou a sua determinação em desenvolver um estilo pessoal através de uma exploração constante, atenta tanto ao mundo exterior como à "necessidade interior da alma" defendida por Wassily Kandinsky.
A subjectividade do artista está consequentemente perfeitamente colocada para reproduzir a essência única das paisagens evanescentes. O jogo subtil de elementos pictóricos desenterra a parte enterrada de um mundo tangível que ele quer ajudar-nos a explorar. Gaston Hélie consegue distanciar-se perfeitamente da natureza graças a um meio pictórico que esculpe volumes justapondo formas entrelaçadas, desrespeitando leis de perspectiva. Ele adora desconstruir formas através do uso hábil da geometria. A energia das suas composições reside tanto no posicionamento e na força da linha como na disposição dos volumes de cor e na hábil distribuição dos efeitos de luz e sombra. Atento à harmonia das cores, a partir de 1985 o artista abandonou as misturas brilhantes dos seus primeiros anos a favor de uma paleta mais leve de cores vibrantes e monocromáticas, e substituiu gradualmente a faca pelo pincel para efeitos de fluxo mais subtis. Desde 2007, a sua estrepidez tornou-se absoluta e as suas paisagens metafóricas. Tal como Mark Rothko, cujas famosas paisagens icónicas são marcadas por linhas horizontais e pelo jogo de tiras de cor, Gaston Hélie transmite a sua visão do mundo tangível em soberbas composições onduladas, abraçando como uma pérola num estojo de jóias o próprio coração do sujeito que agita a alma do artista.
Esta visão renovada transpõe para a pintura a harmonia musical e poética que o pintor sempre procurou subconscientemente, mas que ainda assim alcançou numa data relativamente tardia. Nos anos 90, ele compreendeu que o que procurava era "uma espécie de musicalidade na pintura", e conseguiu analisar a forma como a música era composta a fim de transpor as suas regras para a sua arte pictórica. "A verticalidade é estabilidade". Apenas curvas, espirais e curvas invertidas sugerem movimento", explica. No entanto, mesmo que, para ele, a pintura "deva ser ouvida como uma sonata ou um quarteto ao qual se junta numa expressão artística para além das palavras e imagens comuns", o artista vai mais longe na sua abordagem e não se contenta em transpor o mero ritmo para as suas peças. Seguindo o exemplo de Friedrich Nietzsche, para quem a música expressou "o que é metafísico no mundo físico" e foi, portanto, considerado a forma de arte que melhor toca a alma humana, Gaston Hélie prova ser capaz de expressar o seu mundo espiritual interior na pintura e de o comunicar ao observador. Foi esta procura de empatia que, em última análise e inevitavelmente, se tornou central para ele, e encontra a sua melhor expressão na sua série Variation de 2014.
"Os pintores não fazem outra coisa senão pintar-se a si próprios", libertando as suas vibrações emocionais sobre a essência do mundo que transcendem. Gaston Hélie sucede a esta magistralmente numa espécie de paz interior redescoberta. No entanto, a sua busca não está de modo algum terminada, porque os pintores nunca sabem até onde podem ir. Força de linha e cor de tonalidade continuam a ser as palavras-chave para este artista extraordinário enquanto continua a criar pinturas espirituais e a "Fazer música na pintura".
Francine Bunel-Malras, Historiadora de Arte
