Gaston Hélie
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Il pittore autodidatta Gaston Hélie ha frequentato corsi di disegno e di scultura presso la Scuola di Belle Arti della sua città natale, Caen. Appassionato di pittura fin dall'età di 17 anni, e forte della sua lunga esperienza di esposizione in mostre regionali e nazionali (tra cui il Salon des artistes français e il Salon National des Beaux Arts di Parigi), questo artista ha vinto nel corso del suo singolare percorso creativo numerosi premi, che hanno contribuito ad affermare la sua fama.
Nel corso della sua lunga carriera artistica, Gaston Hélie è sempre stato spinto da un desiderio di rinnovamento, che lo ha portato ad una crescente libertà sia nell'interpretazione dei suoi paesaggi (uno dei temi preferiti nella sua opera) sia nella tecnica pittorica. I paesaggi che presenta non sono dipinti sul posto, ma sono direttamente tratti dalla sua memoria. Sono visioni poetiche reinventate che esprimono reminiscenze tinteggiate con le emozioni del pittore. Il suo stile è diventato sempre più crudo e ordinato nel corso degli anni, trasmettendo la spiritualità del soggetto ben oltre il suo semplice aspetto formale. Nell'opera di Gaston Hélie, che si colloca a metà strada tra figurazione e astrazione, i riferimenti alla natura sono diventati sempre più tenui, e l'artista ci ha condotto a poco a poco dal materiale all'immateriale, dal mondo naturale al metafisico, dall'universo tangibile a quello spirituale.
Se l'approccio di Gaston Hélie non è quello di ripensare l'arte, allora la sua riflessione su ciò che essa dovrebbe esprimere è profonda ed estremamente interessante. Nutrito dal pensiero filosofico di Aristotele che "la funzione dell'arte non è quella di rappresentare il visibile, ma di rendere visibile", e dall'idea cara a Jean Bazaine che, attraverso il suo lavoro, gli artisti esprimono la profondità della loro anima, l'artista afferma: "Se ho iniziato a dipingere, è stato per scoprire meglio me stesso". Meno attratto dall'arte rinascimentale, che pone l'accento sulla bellezza formale idealizzata, Gaston Hélie apprezza l'arte gotica (in particolare la sua scultura), sottolineandone il potere espressivo, e ciò non sorprende se si ricorda quanto quest'arte fosse rappresentativa delle credenze medievali in un mondo tangibile dove tutto era solo un simbolo di un mondo spirituale invisibile. Eppure sono le grandi scoperte pittoriche del XX secolo che hanno forgiato le sue convinzioni artistiche: la rivoluzione di Cézanne e il cubismo di Georges Braque in termini di trattamento formale, l'arte di Wassily Kandinsky in termini di ricerca di spiritualità, l'opera intima e poetica di Roger Bissière che si è evoluta verso la non figurazione negli anni del dopoguerra, la pittura di Nicolas de Staël che era allo stesso tempo figurativa e astratta, l'Astrattismo lirico di Olivier Debré che "materializzava" le emozioni, e l'Espressionismo astratto di Mark Rothko che esprimeva i sentimenti. L'ammirazione di Gaston Hélie per questi artisti non ha fatto altro che accrescere la sua determinazione a sviluppare uno stile personale attraverso una costante esplorazione, attento sia al mondo esterno che al "bisogno interiore dell'anima" propugnato da Wassily Kandinsky.
La soggettività dell'artista è quindi perfettamente in grado di riprodurre l'essenza unica di paesaggi evanescenti. Il sottile gioco di elementi pittorici riporta alla luce la parte sepolta di un mondo tangibile che egli vuole aiutarci a esplorare. Gaston Hélie riesce a prendere perfettamente le distanze dalla natura grazie a un mezzo pittorico che scolpisce i volumi giustapponendo le forme intrecciate, violando le leggi della prospettiva. Ama decostruire le forme attraverso un sapiente uso della geometria. L'energia delle sue composizioni risiede tanto nel posizionamento e nella forza delle linee quanto nella disposizione dei volumi di colore e nell'abile distribuzione degli effetti di luce e ombra. Attento all'armonia dei colori, a partire dal 1985 l'artista ha abbandonato le miscele luminose dei primi anni a favore di una tavolozza più chiara di colori vivaci e monocromatici, sostituendo gradualmente il coltello con il pennello per effetti più sottili e fluenti. Dal 2007, la sua severità è diventata assoluta e i suoi paesaggi metaforici. Proprio come Mark Rothko, i cui celebri paesaggi iconici sono segnati da linee orizzontali e dal gioco di strisce di colore, Gaston Hélie trasmette la sua visione del mondo tangibile in superbe composizioni ondulate, abbracciando come una perla in uno scrigno di gioielli il cuore stesso del soggetto che agita l'anima dell'artista.
Questa rinnovata visione traspone in pittura l'armonia musicale e poetica che il pittore ha sempre cercato inconsciamente e che ha sempre cercato e raggiunto in una data relativamente tarda. Negli anni Novanta ha capito che ciò che cercava era "una sorta di musicalità in pittura" ed è riuscito ad analizzare il modo in cui la musica veniva composta per trasporre le sue regole nella sua arte pittorica. "La verticalità è stabilità. Solo le curve, le spirali e le curve invertite suggeriscono il movimento", spiega. Eppure, anche se per lui la pittura "va ascoltata come una sonata o un quartetto a cui si unisce in un'espressione artistica al di là delle parole e delle immagini banali", l'artista va oltre nel suo approccio e non si accontenta di trasporre nei suoi pezzi il semplice ritmo. Seguendo l'esempio di Friedrich Nietzsche, per il quale la musica esprimeva "ciò che è metafisico nel mondo fisico" ed era quindi considerata la forma d'arte che meglio tocca l'animo umano, Gaston Hélie dimostra di essere in grado di esprimere il suo mondo spirituale interiore in pittura e di comunicarlo all'osservatore. È questa ricerca di empatia che alla fine e inevitabilmente è diventata per lui centrale, e trova la sua migliore espressione nella sua serie Variazione del 2014.
"I pittori non fanno altro che dipingere se stessi", rilasciando le loro vibrazioni emotive sull'essenza del mondo che trascendono. Gaston Hélie ci riesce magistralmente in una sorta di pace interiore ritrovata. Eppure la sua ricerca non è affatto finita, perché i pittori non sanno mai fin dove possono spingersi. La forza della linea e il colore dei toni rimangono le parole chiave per questo straordinario artista che continua a creare dipinti spirituali e a "fare musica in pittura".
Nel corso della sua lunga carriera artistica, Gaston Hélie è sempre stato spinto da un desiderio di rinnovamento, che lo ha portato ad una crescente libertà sia nell'interpretazione dei suoi paesaggi (uno dei temi preferiti nella sua opera) sia nella tecnica pittorica. I paesaggi che presenta non sono dipinti sul posto, ma sono direttamente tratti dalla sua memoria. Sono visioni poetiche reinventate che esprimono reminiscenze tinteggiate con le emozioni del pittore. Il suo stile è diventato sempre più crudo e ordinato nel corso degli anni, trasmettendo la spiritualità del soggetto ben oltre il suo semplice aspetto formale. Nell'opera di Gaston Hélie, che si colloca a metà strada tra figurazione e astrazione, i riferimenti alla natura sono diventati sempre più tenui, e l'artista ci ha condotto a poco a poco dal materiale all'immateriale, dal mondo naturale al metafisico, dall'universo tangibile a quello spirituale.
Se l'approccio di Gaston Hélie non è quello di ripensare l'arte, allora la sua riflessione su ciò che essa dovrebbe esprimere è profonda ed estremamente interessante. Nutrito dal pensiero filosofico di Aristotele che "la funzione dell'arte non è quella di rappresentare il visibile, ma di rendere visibile", e dall'idea cara a Jean Bazaine che, attraverso il suo lavoro, gli artisti esprimono la profondità della loro anima, l'artista afferma: "Se ho iniziato a dipingere, è stato per scoprire meglio me stesso". Meno attratto dall'arte rinascimentale, che pone l'accento sulla bellezza formale idealizzata, Gaston Hélie apprezza l'arte gotica (in particolare la sua scultura), sottolineandone il potere espressivo, e ciò non sorprende se si ricorda quanto quest'arte fosse rappresentativa delle credenze medievali in un mondo tangibile dove tutto era solo un simbolo di un mondo spirituale invisibile. Eppure sono le grandi scoperte pittoriche del XX secolo che hanno forgiato le sue convinzioni artistiche: la rivoluzione di Cézanne e il cubismo di Georges Braque in termini di trattamento formale, l'arte di Wassily Kandinsky in termini di ricerca di spiritualità, l'opera intima e poetica di Roger Bissière che si è evoluta verso la non figurazione negli anni del dopoguerra, la pittura di Nicolas de Staël che era allo stesso tempo figurativa e astratta, l'Astrattismo lirico di Olivier Debré che "materializzava" le emozioni, e l'Espressionismo astratto di Mark Rothko che esprimeva i sentimenti. L'ammirazione di Gaston Hélie per questi artisti non ha fatto altro che accrescere la sua determinazione a sviluppare uno stile personale attraverso una costante esplorazione, attento sia al mondo esterno che al "bisogno interiore dell'anima" propugnato da Wassily Kandinsky.
La soggettività dell'artista è quindi perfettamente in grado di riprodurre l'essenza unica di paesaggi evanescenti. Il sottile gioco di elementi pittorici riporta alla luce la parte sepolta di un mondo tangibile che egli vuole aiutarci a esplorare. Gaston Hélie riesce a prendere perfettamente le distanze dalla natura grazie a un mezzo pittorico che scolpisce i volumi giustapponendo le forme intrecciate, violando le leggi della prospettiva. Ama decostruire le forme attraverso un sapiente uso della geometria. L'energia delle sue composizioni risiede tanto nel posizionamento e nella forza delle linee quanto nella disposizione dei volumi di colore e nell'abile distribuzione degli effetti di luce e ombra. Attento all'armonia dei colori, a partire dal 1985 l'artista ha abbandonato le miscele luminose dei primi anni a favore di una tavolozza più chiara di colori vivaci e monocromatici, sostituendo gradualmente il coltello con il pennello per effetti più sottili e fluenti. Dal 2007, la sua severità è diventata assoluta e i suoi paesaggi metaforici. Proprio come Mark Rothko, i cui celebri paesaggi iconici sono segnati da linee orizzontali e dal gioco di strisce di colore, Gaston Hélie trasmette la sua visione del mondo tangibile in superbe composizioni ondulate, abbracciando come una perla in uno scrigno di gioielli il cuore stesso del soggetto che agita l'anima dell'artista.
Questa rinnovata visione traspone in pittura l'armonia musicale e poetica che il pittore ha sempre cercato inconsciamente e che ha sempre cercato e raggiunto in una data relativamente tarda. Negli anni Novanta ha capito che ciò che cercava era "una sorta di musicalità in pittura" ed è riuscito ad analizzare il modo in cui la musica veniva composta per trasporre le sue regole nella sua arte pittorica. "La verticalità è stabilità. Solo le curve, le spirali e le curve invertite suggeriscono il movimento", spiega. Eppure, anche se per lui la pittura "va ascoltata come una sonata o un quartetto a cui si unisce in un'espressione artistica al di là delle parole e delle immagini banali", l'artista va oltre nel suo approccio e non si accontenta di trasporre nei suoi pezzi il semplice ritmo. Seguendo l'esempio di Friedrich Nietzsche, per il quale la musica esprimeva "ciò che è metafisico nel mondo fisico" ed era quindi considerata la forma d'arte che meglio tocca l'animo umano, Gaston Hélie dimostra di essere in grado di esprimere il suo mondo spirituale interiore in pittura e di comunicarlo all'osservatore. È questa ricerca di empatia che alla fine e inevitabilmente è diventata per lui centrale, e trova la sua migliore espressione nella sua serie Variazione del 2014.
"I pittori non fanno altro che dipingere se stessi", rilasciando le loro vibrazioni emotive sull'essenza del mondo che trascendono. Gaston Hélie ci riesce magistralmente in una sorta di pace interiore ritrovata. Eppure la sua ricerca non è affatto finita, perché i pittori non sanno mai fin dove possono spingersi. La forza della linea e il colore dei toni rimangono le parole chiave per questo straordinario artista che continua a creare dipinti spirituali e a "fare musica in pittura".
Francine Bunel-Malras, Storico dell'arte
