Gaston Hélie
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Der autodidaktische Maler Gaston Hélie besuchte Zeichen- und Bildhauerkurse an der Schule der Schönen Künste in seiner Heimatstadt Caen. Seit seinem 17. Lebensjahr begeisterter Maler und gestärkt durch seine langjährige Erfahrung bei regionalen und nationalen Ausstellungen (u.a. im Salon des artistes français und im Salon National des Beaux Arts in Paris), hat dieser Künstler im Laufe seines einzigartigen Schaffens zahlreiche Auszeichnungen erhalten, die zu seinem Renommee beigetragen haben.
Im Laufe seiner langen künstlerischen Laufbahn war Gaston Hélie stets von dem Wunsch nach Erneuerung getrieben, der ihn zu mehr Freiheit sowohl in der Interpretation seiner Landschaften (ein Lieblingsthema in seinem Werk) als auch in seiner Bildtechnik führte. Die Landschaften, die er präsentiert, sind nicht vor Ort gemalt, sondern direkt aus seiner Erinnerung gezeichnet. Es sind neu erfundene poetische Visionen, die Erinnerungen ausdrücken, die von den Gefühlen des Malers durchdrungen sind. Sein Stil ist im Laufe der Jahre immer schärfer und übersichtlicher geworden und vermittelt die Spiritualität des Sujets weit über seinen einfachen formalen Aspekt hinaus. Im Werk von Gaston Hélie, das zwischen Figuration und Abstraktion angesiedelt ist, sind die Bezüge zur Natur immer spärlicher geworden, und der Künstler hat uns nach und nach vom Materiellen zum Immateriellen, von der natürlichen Welt zur metaphysischen Welt, vom greifbaren Universum zum geistigen Universum geführt.
Wenn Gaston Hélies Ansatz nicht darin besteht, die Kunst neu zu überdenken, dann ist seine Reflexion darüber, was sie ausdrücken soll, tiefgründig und äußerst interessant. Genährt von Aristoteles' philosophischem Gedanken, dass "die Funktion der Kunst nicht darin besteht, das Sichtbare darzustellen, sondern sichtbar zu machen", und von der Jean Bazaine liebgewonnenen Idee, dass Künstler durch ihr Werk die Tiefen ihrer Seele zum Ausdruck bringen, behauptet der Künstler: "Wenn ich zu malen begann, dann nur, um mich selbst besser zu entdecken". Weniger angezogen von der Kunst der Renaissance, die den Schwerpunkt auf die idealisierte formale Schönheit legt, schätzt Gaston Hélie die gotische Kunst (vor allem ihre Skulptur) und unterstreicht ihre Ausdruckskraft. Dies ist kaum verwunderlich, wenn wir uns daran erinnern, wie sehr diese Kunst repräsentativ für den mittelalterlichen Glauben an eine greifbare Welt war, in der alles nur ein Symbol einer unsichtbaren geistigen Welt war. Dennoch sind es die großen bildlichen Durchbrüche des 20. Jahrhunderts, die seine künstlerischen Überzeugungen geschmiedet haben: die Cézanne-Revolution und der Kubismus von Georges Braque in Bezug auf die formale Behandlung, Wassily Kandinskys Kunst in Bezug auf die Suche nach Spiritualität, Roger Bissières intimes und poetisches Werk, das sich in den Nachkriegsjahren zur Nicht-Figuration entwickelte, Nicolas de Staëls figurative und abstrakte Malerei, Olivier Debrés lyrische Abstraktion, die Emotionen "materialisierte", und Mark Rothkos abstrakter Expressionismus, der Gefühle ausdrückte. Gaston Hélies Bewunderung für diese Künstler verstärkte nur noch seine Entschlossenheit, einen persönlichen Stil zu entwickeln, indem er ständig forschte und sowohl die äußere Welt als auch das von Wassily Kandinsky vertretene "innere Bedürfnis der Seele" berücksichtigte.
Die Subjektivität des Künstlers ist somit perfekt platziert, um das einzigartige Wesen flüchtiger Landschaften wiederzugeben. Das subtile Spiel der Bildelemente bringt den verschütteten Teil einer greifbaren Welt ans Tageslicht, die er mit uns erforschen will. Gaston Hélie gelingt es, sich vollkommen von der Natur zu distanzieren, dank eines Bildmediums, das Volumen bildet, indem es ineinander verwobene Formen nebeneinander stellt und die Gesetze der Perspektive missachtet. Er liebt es, Formen durch geschickte Anwendung der Geometrie zu dekonstruieren. Die Energie seiner Kompositionen liegt ebenso in der Positionierung und Stärke der Linie wie in der Anordnung der Farbvolumina und der geschickten Verteilung von Licht- und Schatteneffekten. Der Harmonie der Farben aufmerksam folgend, gab der Künstler ab 1985 die hellen Mischungen seiner frühen Jahre zugunsten einer helleren Palette lebhafter, monochromer Farben auf und ersetzte allmählich das Messer durch den Pinsel für subtilere fließende Effekte. Seit 2007 ist seine Starrheit absolut und seine Landschaften metaphorisch geworden. Ähnlich wie Mark Rothko, dessen berühmte ikonische Landschaften durch horizontale Linien und das Spiel der Farbstreifen gekennzeichnet sind, vermittelt Gaston Hélie seine Vision der greifbaren Welt in herrlichen wellenförmigen Kompositionen, die wie eine Perle in einem Schmuckkästchen das Herzstück des Sujets umarmen, das die Seele des Künstlers berührt.
Diese erneuerte Vision setzt in der Malerei die musikalische und poetische Harmonie um, die der Maler immer unbewusst gesucht und erst relativ spät erreicht hat. In den 1990er Jahren verstand er, dass das, was er suchte, "eine Art Musikalität in der Malerei" war, und es gelang ihm, die Art und Weise, wie Musik komponiert wurde, zu analysieren, um ihre Regeln in seine Bildkunst zu übertragen. "Vertikalität ist Stabilität. Nur Kurven, Spiralen und umgekehrte Kurven suggerieren Bewegung", erklärt er. Doch selbst wenn für ihn die Malerei "wie eine Sonate oder ein Quartett gehört werden sollte, die er in einem künstlerischen Ausdruck jenseits von alltäglichen Worten und Bildern zusammenfügt", geht der Künstler in seinem Ansatz weiter und begnügt sich nicht damit, nur den Rhythmus in seine Stücke zu transponieren. In Anlehnung an Friedrich Nietzsche, für den die Musik "das Metaphysische in der physischen Welt" ausdrückte und deshalb als die Kunstform galt, die die menschliche Seele am besten berührt, beweist Gaston Hélie, dass er in der Lage ist, seine innere geistige Welt in der Malerei auszudrücken und dem Betrachter mitzuteilen. Dieses Streben nach Einfühlung wurde für ihn letztlich und unausweichlich zentral, und es findet seinen besten Ausdruck in seiner 2014 entstandenen Serie Variation.
Im Laufe seiner langen künstlerischen Laufbahn war Gaston Hélie stets von dem Wunsch nach Erneuerung getrieben, der ihn zu mehr Freiheit sowohl in der Interpretation seiner Landschaften (ein Lieblingsthema in seinem Werk) als auch in seiner Bildtechnik führte. Die Landschaften, die er präsentiert, sind nicht vor Ort gemalt, sondern direkt aus seiner Erinnerung gezeichnet. Es sind neu erfundene poetische Visionen, die Erinnerungen ausdrücken, die von den Gefühlen des Malers durchdrungen sind. Sein Stil ist im Laufe der Jahre immer schärfer und übersichtlicher geworden und vermittelt die Spiritualität des Sujets weit über seinen einfachen formalen Aspekt hinaus. Im Werk von Gaston Hélie, das zwischen Figuration und Abstraktion angesiedelt ist, sind die Bezüge zur Natur immer spärlicher geworden, und der Künstler hat uns nach und nach vom Materiellen zum Immateriellen, von der natürlichen Welt zur metaphysischen Welt, vom greifbaren Universum zum geistigen Universum geführt.
Wenn Gaston Hélies Ansatz nicht darin besteht, die Kunst neu zu überdenken, dann ist seine Reflexion darüber, was sie ausdrücken soll, tiefgründig und äußerst interessant. Genährt von Aristoteles' philosophischem Gedanken, dass "die Funktion der Kunst nicht darin besteht, das Sichtbare darzustellen, sondern sichtbar zu machen", und von der Jean Bazaine liebgewonnenen Idee, dass Künstler durch ihr Werk die Tiefen ihrer Seele zum Ausdruck bringen, behauptet der Künstler: "Wenn ich zu malen begann, dann nur, um mich selbst besser zu entdecken". Weniger angezogen von der Kunst der Renaissance, die den Schwerpunkt auf die idealisierte formale Schönheit legt, schätzt Gaston Hélie die gotische Kunst (vor allem ihre Skulptur) und unterstreicht ihre Ausdruckskraft. Dies ist kaum verwunderlich, wenn wir uns daran erinnern, wie sehr diese Kunst repräsentativ für den mittelalterlichen Glauben an eine greifbare Welt war, in der alles nur ein Symbol einer unsichtbaren geistigen Welt war. Dennoch sind es die großen bildlichen Durchbrüche des 20. Jahrhunderts, die seine künstlerischen Überzeugungen geschmiedet haben: die Cézanne-Revolution und der Kubismus von Georges Braque in Bezug auf die formale Behandlung, Wassily Kandinskys Kunst in Bezug auf die Suche nach Spiritualität, Roger Bissières intimes und poetisches Werk, das sich in den Nachkriegsjahren zur Nicht-Figuration entwickelte, Nicolas de Staëls figurative und abstrakte Malerei, Olivier Debrés lyrische Abstraktion, die Emotionen "materialisierte", und Mark Rothkos abstrakter Expressionismus, der Gefühle ausdrückte. Gaston Hélies Bewunderung für diese Künstler verstärkte nur noch seine Entschlossenheit, einen persönlichen Stil zu entwickeln, indem er ständig forschte und sowohl die äußere Welt als auch das von Wassily Kandinsky vertretene "innere Bedürfnis der Seele" berücksichtigte.
Die Subjektivität des Künstlers ist somit perfekt platziert, um das einzigartige Wesen flüchtiger Landschaften wiederzugeben. Das subtile Spiel der Bildelemente bringt den verschütteten Teil einer greifbaren Welt ans Tageslicht, die er mit uns erforschen will. Gaston Hélie gelingt es, sich vollkommen von der Natur zu distanzieren, dank eines Bildmediums, das Volumen bildet, indem es ineinander verwobene Formen nebeneinander stellt und die Gesetze der Perspektive missachtet. Er liebt es, Formen durch geschickte Anwendung der Geometrie zu dekonstruieren. Die Energie seiner Kompositionen liegt ebenso in der Positionierung und Stärke der Linie wie in der Anordnung der Farbvolumina und der geschickten Verteilung von Licht- und Schatteneffekten. Der Harmonie der Farben aufmerksam folgend, gab der Künstler ab 1985 die hellen Mischungen seiner frühen Jahre zugunsten einer helleren Palette lebhafter, monochromer Farben auf und ersetzte allmählich das Messer durch den Pinsel für subtilere fließende Effekte. Seit 2007 ist seine Starrheit absolut und seine Landschaften metaphorisch geworden. Ähnlich wie Mark Rothko, dessen berühmte ikonische Landschaften durch horizontale Linien und das Spiel der Farbstreifen gekennzeichnet sind, vermittelt Gaston Hélie seine Vision der greifbaren Welt in herrlichen wellenförmigen Kompositionen, die wie eine Perle in einem Schmuckkästchen das Herzstück des Sujets umarmen, das die Seele des Künstlers berührt.
Diese erneuerte Vision setzt in der Malerei die musikalische und poetische Harmonie um, die der Maler immer unbewusst gesucht und erst relativ spät erreicht hat. In den 1990er Jahren verstand er, dass das, was er suchte, "eine Art Musikalität in der Malerei" war, und es gelang ihm, die Art und Weise, wie Musik komponiert wurde, zu analysieren, um ihre Regeln in seine Bildkunst zu übertragen. "Vertikalität ist Stabilität. Nur Kurven, Spiralen und umgekehrte Kurven suggerieren Bewegung", erklärt er. Doch selbst wenn für ihn die Malerei "wie eine Sonate oder ein Quartett gehört werden sollte, die er in einem künstlerischen Ausdruck jenseits von alltäglichen Worten und Bildern zusammenfügt", geht der Künstler in seinem Ansatz weiter und begnügt sich nicht damit, nur den Rhythmus in seine Stücke zu transponieren. In Anlehnung an Friedrich Nietzsche, für den die Musik "das Metaphysische in der physischen Welt" ausdrückte und deshalb als die Kunstform galt, die die menschliche Seele am besten berührt, beweist Gaston Hélie, dass er in der Lage ist, seine innere geistige Welt in der Malerei auszudrücken und dem Betrachter mitzuteilen. Dieses Streben nach Einfühlung wurde für ihn letztlich und unausweichlich zentral, und es findet seinen besten Ausdruck in seiner 2014 entstandenen Serie Variation.
"Maler tun nichts anderes, als sich selbst zu malen", indem sie ihre emotionalen Schwingungen auf das Wesen der Welt, die sie transzendieren, loslassen. Gaston Hélie gelingt dies meisterhaft in einer Art wiederentdecktem inneren Frieden. Doch seine Suche ist keineswegs beendet, denn die Maler wissen nie, wie weit sie gehen können. Strichstärke und Klangfarbe bleiben die Schlüsselwörter für diesen außergewöhnlichen Künstler, während er weiterhin spirituelle Gemälde schafft und "Musik in der Malerei macht".
Francine Bunel-Malras, Kunsthistorikerin
